Correo del Sur (Suiza)

La educación pública en Estados Unidos está dando pasos de gigante para adaptar sus estructuras a la nueva realidad tecnológica, abarcando desde la enseñanza superior hasta las etapas más tempranas del desarrollo infantil. En un movimiento significativo para el sector académico, la Junta Estatal de Educación de Idaho ha confirmado recientemente la recepción de una subvención federal de 4 millones de dólares. Estos fondos, otorgados por el Programa de Proyectos Especiales del Fondo para la Mejora de la Educación Postsecundaria (FIPSE), tienen como objetivo principal potenciar la integración de la inteligencia artificial (IA) en los institutos y universidades públicas del estado.

Un enfoque ético y centrado en el capital humano

El hecho de que Idaho haya sido uno de los dos únicos beneficiarios en la categoría prioritaria de “IA y Educación Superior” subraya la relevancia de su propuesta. Bajo el título “Accelerate Idaho: Un futuro impulsado por la IA para la enseñanza y el aprendizaje”, la iniciativa busca promover un uso de la tecnología que sea innovador pero, ante todo, ético y centrado en las personas. El proyecto no se limita a la mera adquisición de software, sino que pretende fomentar el pensamiento crítico y las habilidades técnicas tanto en el alumnado como en el cuerpo docente, prestando una atención especial a garantizar el acceso a estas herramientas en las zonas rurales.

Brad Little, gobernador de Idaho, ha destacado la alineación de este proyecto con las prioridades de la Administración Trump para fortalecer el liderazgo estadounidense en este campo, asegurando que los estudiantes adquieran las competencias necesarias para un mercado laboral que evoluciona a un ritmo vertiginoso. Por su parte, Jennifer White, directora ejecutiva de la Junta, insistió en que la tecnología no debe desplazar el factor humano. Para White, esta subvención es fundamental para ayudar a investigadores y estudiantes a construir criterio y responsabilidad, manteniendo a las personas en el centro del proceso de aprendizaje y trabajo.

La lógica computacional llega a la educación infantil

Mientras la educación superior recibe inyecciones de capital para adaptarse, existe una corriente paralela que pone el foco en los cimientos del aprendizaje. En todo el país, la educación infantil está dejando de ser un elemento periférico para convertirse en el núcleo del sistema público. Con la expansión del Pre-K financiado por los distintos estados y la integración de las aulas de primera infancia en los sistemas K-12, los distritos escolares están priorizando habilidades básicas como la resolución de problemas, la secuenciación, la lógica y la relación causa-efecto. Estas competencias se consideran ahora indispensables para que los niños puedan prosperar en un futuro inevitablemente moldeado por la inteligencia artificial.

En este contexto emergen propuestas como Codie Blocks, diseñadas específicamente para cubrir esta necesidad en niños de entre 3 y 7 años. A través de un sistema de juego con bloques, una aplicación educativa y la serie animada Mia & Codie —emitida en las estaciones de la PBS—, esta plataforma introduce conceptos de programación y narrativa de una forma adaptada al desarrollo cognitivo de los más pequeños. La idea es combinar el juego práctico con herramientas digitales alineadas con el currículo escolar para construir confianza y curiosidad desde la base.

Un cambio de paradigma en la enseñanza

Don Moody, fundador de Codie Blocks, sostiene que el sector educativo ha cruzado un punto de inflexión decisivo. Según su visión, los educadores han comprendido que el pensamiento fundamental no es algo que se pueda añadir a posteriori en etapas avanzadas; debe construirse desde el principio mediante el juego, la narración y la exploración práctica. Para Moody, estos elementos ya no son complementos opcionales, sino la base misma del aprendizaje.

Esta tendencia hacia la alfabetización tecnológica temprana se hará visible en la próxima Conferencia de Tecnología Educativa del Futuro (FETC), que tendrá lugar en Orlando, Florida, a mediados de enero. Allí, la creciente demanda de herramientas pedagógicas adecuadas para estas edades quedará patente en las presentaciones de socios como Mackin, un proveedor de recursos educativos de larga trayectoria. El interés creciente por estos métodos refleja un cambio sistémico en cómo se prioriza el desarrollo del pensamiento crítico desde los primeros años de vida, preparando a las nuevas generaciones para moldear su propio mundo.

La carrera por establecer una presencia humana permanente más allá de la órbita terrestre se enfrenta a dos barreras fisiológicas fundamentales que la ingeniería y la biología deben resolver antes de cualquier viaje tripulado a Marte: la ausencia de gravedad y la letalidad de la radiación cósmica. Mientras las agencias espaciales ultiman los detalles para el retorno a la Luna con las misiones Artemis, surgen nuevas propuestas técnicas para mitigar el deterioro físico de los astronautas en misiones de larga duración.

Innovación rusa para combatir la ingravidez

En un contexto marcado por el inminente final de la Estación Espacial Internacional (ISS) y el auge de nuevos proyectos nacionales y comerciales, la corporación estatal rusa RKK Engergiya ha dado un paso significativo al patentar una arquitectura de nave espacial capaz de generar gravedad artificial. Según la documentación obtenida por la agencia TASS, el diseño contempla un sistema rotatorio que podría generar una fuerza gravitacional de 0,5 g, es decir, la mitad de la gravedad terrestre, lo que supondría un avance crucial para la salud de las tripulaciones en viajes interplanetarios.

El diseño patentado ilustra una estructura con un módulo axial central que combina componentes estáticos y giratorios, conectados a módulos habitables mediante uniones flexibles herméticamente selladas. Para lograr la simulación de gravedad deseada mediante la fuerza centrífuga, estos módulos deberían rotar alrededor del eje a una velocidad de cinco revoluciones por minuto. Las especificaciones técnicas apuntan a una estación de gran envergadura, con un radio de 40 metros, lo que implicaría múltiples lanzamientos y un complejo ensamblaje en órbita. No obstante, el documento no rehúye los desafíos operativos: la necesidad de coordinar la rotación para el acoplamiento de naves de transporte reduce los márgenes de seguridad, un obstáculo técnico que aún debe solventarse.

La salud ósea y muscular en juego

La generación de gravedad artificial no es un mero capricho técnico, sino una necesidad médica. La exposición prolongada a la microgravedad provoca atrofia muscular y pérdida de densidad ósea, efectos que podrían comprometer la capacidad física de los astronautas al llegar a la superficie marciana. Aunque la NASA ya había explorado conceptos similares con el Nautilus-X y empresas privadas como Vast han manifestado su interés en estaciones con gravedad artificial, la patente rusa, aunque carece por el momento de plazos definidos y financiación asignada, reafirma que la ingeniería aeroespacial mundial considera la rotación centrífuga como la solución más viable a largo plazo.

La amenaza invisible de los rayos cósmicos

Sin embargo, resolver el problema de la gravedad es solo la mitad de la ecuación. Si bien al mirar el cielo nocturno solo percibimos estrellas y planetas, el vacío espacial está saturado de una amenaza imperceptible: los rayos cósmicos. Compuestos por protones, núcleos de helio e iones pesados provenientes de explosiones estelares y eventos solares, estas partículas viajan a velocidades cercanas a la de la luz y poseen tal energía que pueden destrozar cadenas de ADN y alterar estructuras celulares, elevando exponencialmente el riesgo de cáncer y otras enfermedades degenerativas.

En la Tierra, la magnetosfera y la atmósfera actúan como un escudo eficaz, pero en el espacio profundo esa protección desaparece. De cara a las misiones Artemis II y III, que llevarán a los astronautas a orbitar y alunizar en nuestro satélite, la urgencia por desarrollar contramedidas es máxima. La investigación actual se topa con dificultades logísticas: simular la radiación cósmica en la Tierra es complejo. Los aceleradores de partículas en Estados Unidos y Alemania, aunque avanzados, a menudo administran dosis de radiación de manera secuencial o en una sola sesión masiva, lo cual no refleja la realidad del espacio, donde los astronautas recibirán un bombardeo constante y simultáneo de diversas partículas de alta energía.

Más allá de los escudos físicos: la respuesta biológica

Tradicionalmente, la defensa principal ha sido el blindaje físico utilizando materiales ricos en hidrógeno como el polietileno. Sin embargo, los rayos cósmicos galácticos son tan energéticos que pueden atravesar estas barreras e incluso generar radiación secundaria al impactar contra el escudo, empeorando la exposición. Ante esta limitación de la física, la ciencia está volcando su atención hacia estrategias biológicas inspiradas en la naturaleza.

Investigaciones recientes sugieren que el uso de antioxidantes sintéticos, como el CDDO-EA, podría mitigar el daño cognitivo y celular, protegiendo al ADN de los compuestos nocivos generados por la radiación. Paralelamente, se estudia la capacidad de ciertos organismos para resistir condiciones extremas. La hibernación, por ejemplo, parece aumentar la radiorresistencia en ciertos animales, y se investiga si inducir estados similares en humanos podría ofrecer protección durante las largas travesías. Del mismo modo, los tardígrados, conocidos por su increíble resistencia en estado deshidratado, podrían poseer las claves moleculares para desarrollar terapias que preserven los tejidos humanos. El futuro de la exploración espacial, por tanto, dependerá tanto de gigantescas centrífugas orbitales como de la comprensión microscópica de nuestra propia biología.

El panorama actual de las series de televisión nos ofrece dos caras muy distintas del entretenimiento juvenil. Por un lado, tenemos el regreso de uno de los grandes fenómenos españoles de Netflix, que apuesta por una renovación casi total de su elenco, y por otro, una precuela de terror en HBO que está rompiendo todos los esquemas de calidad narrativa. A continuación, analizamos qué nos deparan estas producciones que están dando tanto que hablar.

Savia nueva en los pasillos de Las Encinas

La exitosa serie ‘Élite’ vuelve a la carga con su quinta temporada y lo hace con un lavado de cara considerable. El tráiler de esta nueva entrega ya ha dejado entrever bastantes detalles, permitiéndonos deducir quiénes llevarán la batuta de las tramas principales. Lo más destacado es que el reparto original ha sufrido una renovación casi completa; de aquella primera hornada de alumnos, ya solo quedan dos supervivientes que servirán de puente entre el pasado y el presente de la ficción.

Entre las incorporaciones más sonadas encontramos a Iván, interpretado por el brasileño André Lamoglia. Este nuevo alumno es hijo de uno de los mejores futbolistas del mundo y, aunque las redes sociales ya le han sacado cierto parecido físico con Cristiano Ronaldo, su actitud dista mucho de la disciplina deportiva. Iván se perfila como un fiestero empedernido que, curiosamente, tendrá que ejercer de padre de su propio padre, un rol complejo que promete dar juego. Lamoglia, conocido en Latinoamérica como un “chico Disney” por su papel en la serie Juacas, cuenta con una gran proyección en la industria hispanohablante.

Por otro lado, llega Isadora, la heredera de un imperio del ocio nocturno en Ibiza. Hija de grandes empresarios de discotecas, parece decidida a seguir los pasos de sus progenitores como la reina de la fiesta. Sin embargo, detrás de esa seguridad intimidante se esconde una realidad vulnerable que será clave para entender su arco narrativo. La encargada de darle vida es Valentina Zenere, otra actriz con pasado Disney —fue la antagonista en la serie argentina Soy Luna— que ya cruzó el charco hace unos años para trabajar en Las chicas del cable.

El destino de los veteranos

Mientras los nuevos rostros buscan su sitio, los antiguos alumnos se enfrentan a situaciones límite. Samuel, encarnado por Itzan Escamilla, ha recorrido un largo camino desde que entró como el becado de clase trabajadora. Aquella gran oportunidad se ha transformado en una pesadilla recurrente y, en esta temporada, su situación se complica al convertirse en el principal sospechoso del asesinato cometido por Armando.

Omar, el otro veterano, ha tenido que reinventarse. Tras conseguir finalmente una beca, ahora debe compaginar sus estudios con el trabajo. Lejos queda ya su icónica relación con Ander; ahora toca explorar facetas de su personaje no ligadas exclusivamente al amor romántico. Quien sí parece haber cogido el testigo del liderazgo es Patrick. Interpretado por Manu Ríos, este personaje que se incorporó la temporada pasada derrocha carisma y se ha convertido en el centro de atención tras la marcha de Guzmán, provocando una fuerte atracción en su entorno. En una línea similar encontramos a su hermana Ariadna, sofisticada y competitiva, quien sigue siendo un imán para los conflictos amorosos tras el enfrentamiento entre Guzmán y Samuel.

Una joya inesperada en el género de terror

Cambiando radicalmente de registro y plataforma, es necesario hablar de lo que está sucediendo en HBO con “IT: Welcome to Derry”. Rara vez una serie logra dejar al espectador sin palabras, no por el impacto fácil, sino por una calidad que va en aumento capítulo tras capítulo. Es una hazaña que, personalmente, solo había visto en obras maestras como Breaking Bad o la primera temporada de Empire. Sin duda, esta precuela se ha ganado un hueco en esa lista de imprescindibles.

Históricamente, el terror que pone a niños en situaciones de peligro real suele generar rechazo, pero la tendencia actual de Hollywood —como hemos visto en Stranger Things— está cambiando esta percepción. En este caso, el trabajo de los jóvenes actores es sencillamente fantástico. El desarrollo de los personajes es tan sólido que resulta inolvidable, logrando que el espectador conecte emocionalmente con ellos de inmediato.

Personajes con alma en un pueblo maldito

Lilly se erige como el corazón de la serie. La actuación de la joven actriz transmite a la perfección el calvario de una niña que, además de lidiar con la muerte de su padre y cuestionarse su propia salud mental, debe enfrentarse a una entidad maligna. A su lado está Ronnie, la luchadora del grupo, un personaje feroz y sin filtros decidido a evitar que su padre vaya a la cárcel por un crimen que no cometió, todo ello enmarcado en la tensión racial que se respira en el Derry de Maine.

El grupo lo completan figuras como Rich, el músico apasionado que bebe los vientos por Marge. Esta última, por desgracia, ha sufrido un destino atroz a manos de la entidad conocida como Pennywise, perdiendo uno de sus ojos, tal y como se reveló en el quinto episodio bajo la ilusión de Matty. También es destacable la trama de los Hanlon; Halloran, que empieza a ver cosas que desafían la lógica, y su hijo Will, que intenta desesperadamente que su padre abra los ojos ante el terror que asola el pueblo. Mención especial merece Taylour Paige como Charlotte, la madre de Will, quien se niega a mirar hacia otro lado.

Giros de guion y tensión final

Lo que realmente eleva el nivel de la serie es la sensación constante de peligro: ningún personaje está a salvo. El quinto episodio fue un punto de inflexión brutal. Cuando todo parecía perdido para Lilly tras ser abandonada por sus amigos frente a la gran revelación de Pennywise, descubrió una reliquia vital. Este objeto es capaz de detener al payaso malvado, creando una barrera que el monstruo teme y no puede cruzar.

La serie no deja de sorprender, y el giro relacionado con Ingrid Persh y su conexión con el payaso en su deseo de reunirse con su padre fue algo totalmente imprevisible. A falta de dos episodios para el desenlace, las expectativas están por las nubes. Si has visto las películas, puedes intuir por dónde irán los tiros en el séptimo capítulo, pero los avances del final de temporada auguran lo peor. Esta serie es una montaña rusa emocional, así que es recomendable tener pañuelos a mano y prepararse para cualquier cosa.

El cine español reciente nos ha dejado joyas de una sensibilidad extraordinaria, y el caso de Alcarràs es, sin duda, uno de los más notables. La cinta nos traslada a esa pequeña localidad rural de Cataluña donde, como es tradición cada verano, la familia Solé se dedica en cuerpo y alma al cultivo de una vasta extensión de melocotoneros. Sin embargo, esta temporada estival trae consigo una atmósfera diferente, marcada por un misterio que inquieta al clan: el abuelo ha dejado de hablar. Nadie en la extensa familia conoce el motivo de su repentino mutismo, un silencio que pesa tanto como el calor de las tardes en el campo.

Bajo la dirección de Carla Simón, esta producción española ofrece un retrato íntimo y costumbrista con una duración de 120 minutos. Estrenada el 29 de abril de 2022, la película se aleja de artificios para centrarse en las dinámicas familiares y la conexión con la tierra, consolidándose como una propuesta imprescindible para entender el cine de autor contemporáneo en nuestro país.

Persecución implacable en la frontera

Cambiando radicalmente de registro y cruzando el Atlántico, la actualidad cinematográfica también nos trae novedades cargadas de adrenalina desde Hollywood. A poco más de una semana de su estreno en Estados Unidos, ya está disponible en internet el tráiler del nuevo thriller de acción del director Jesse V. Johnson, titulado Thieves Highway. La cinta promete tensión y violencia a partes iguales, con Aaron Eckhart encabezando el reparto en el papel de Frank Bennett.

La trama nos presenta a un agente de la ley aislado y acorralado. Tras un enfrentamiento mortal, Bennett descubre una operación masiva de contrabando que lo pone en el punto de mira. Sin cobertura móvil y habiendo perdido su camión, se ve forzado a enfrentarse en solitario a una peligrosa banda de ladrones de ganado liderada por un desquiciado excomandante militar. No se trata solo de cumplir con su deber e interceptarlos antes de que alcancen la frontera con el ganado robado; para el protagonista, detenerlos es su única oportunidad de sobrevivir. Acompañando a Eckhart en esta odisea de supervivencia, completan el elenco actores como Devon Sawa, Lucy Martin y Lochlyn Munro, configurando una propuesta ideal para los amantes del género de acción más crudo.

La serie ALF se estrenó en 1986 y rápidamente se convirtió en un fenómeno televisivo en Estados Unidos y otros países. Con una mezcla de humor absurdo, ternura y situaciones familiares surrealistas, la producción logró mantenerse durante cuatro exitosas temporadas, finalizando el 24 de marzo de 1990 tras emitir un total de 101 episodios.

La historia comienza cuando una nave espacial procedente del lejano planeta Melmac se estrella accidentalmente en la Tierra, aterrizando en el garaje de los Tanner, una familia estadounidense de clase media. El peculiar pasajero, un pequeño alienígena de pelaje marrón y hocico prominente, no tarda en llamar la atención de los habitantes de la casa. A pesar del desconcierto inicial, los Tanner deciden acogerlo y esconderlo del mundo exterior.

Preocupados por lo que podría suceder si las autoridades o incluso sus propios vecinos descubrieran la presencia de un ser de otro planeta, la familia mantiene en secreto a su nuevo inquilino, al que apodan ALF (acrónimo de “Alien Life Form”, o “Forma de Vida Extraterrestre”). Sin embargo, ocultar a ALF no es tarea fácil.

Aunque ALF termina siendo un miembro más de la familia, su carácter desenfadado y sus hábitos poco refinados se convierten en una fuente constante de caos doméstico. Despreocupado, perezoso y con un apetito insaciable (especialmente por los gatos, aunque estos nunca sufren daños reales), ALF se gana el cariño del público gracias a su ingenio sarcástico y a sus ocurrencias, pero dentro de la casa es motivo de constantes discusiones, malentendidos y situaciones disparatadas.

La serie fue creada por Tom Patchett y Paul Fusco, quien también le dio voz y vida al personaje principal mediante marionetas. Su éxito no se limitó a la pantalla chica, ya que ALF trascendió el mundo televisivo para convertirse en un icono cultural, con presencia en juguetes, cómics y productos de todo tipo.

Lo que hizo destacar a ALF fue su capacidad para abordar temas cotidianos desde una óptica diferente. La convivencia, la empatía, la diferencia y la adaptación a lo desconocido se reflejan en las tramas de cada capítulo, envueltas siempre en un tono humorístico accesible para toda la familia.

A lo largo de sus cuatro temporadas, ALF evolucionó sin perder su esencia. Aunque el tono cómico se mantuvo, también hubo momentos más reflexivos que mostraban el lado más humano —o mejor dicho, más “melmaciano”— del personaje. La química entre ALF y los Tanner, en especial con el patriarca Willie, fue clave para el éxito de la serie.

En definitiva, ALF es una comedia que supo equilibrar lo fantástico con lo doméstico, ofreciendo una mirada divertida sobre cómo reaccionaríamos si un ser de otro mundo aterrizara en nuestras vidas. Más allá de los efectos especiales o el formato de marioneta, lo que realmente cautivó a la audiencia fue el corazón del personaje: un extraterrestre con muchas imperfecciones, pero también con una gran capacidad de amar y hacer reír.

Durante los años ochenta, una serie de televisión logró dejar huella en el público internacional gracias a su mezcla de acción, humor y carisma: El equipo A. Estrenada en 1983 y finalizada en 1987, esta producción estadounidense creó una fórmula única que convirtió a sus protagonistas en iconos de la pequeña pantalla.

La trama se centra en cuatro exmilitares del ejército de los Estados Unidos, quienes en 1972 fueron acusados injustamente de un crimen que no cometieron. Tras ser encarcelados, logran escapar de una prisión de máxima seguridad y comienzan una nueva vida como mercenarios. Desde entonces, viven ocultos del gobierno mientras ofrecen sus servicios a quienes no pueden defenderse por sí mismos. Su lema, “Si tiene usted algún problema y si los encuentra, quizás pueda contratarlos”, se convirtió en una frase emblemática de la cultura televisiva de la época.

El grupo estaba formado por el astuto coronel John “Hannibal” Smith, conocido por su inteligencia táctica y su famosa frase “Me encanta que los planes salgan bien”; el apuesto y encantador teniente Templeton “Fénix” Peck; el piloto excéntrico pero brillante H.M. “Howling Mad” Murdock; y el imponente sargento Bosco “B.A.” Baracus, cuyo carácter fuerte y corazón noble conquistaron a los espectadores.

La serie fue creada por Stephen J. Cannell y Frank Lupo, dos figuras reconocidas en la industria televisiva estadounidense. El equipo A estuvo en emisión durante cinco temporadas, con un total de 98 episodios. Su estilo narrativo, basado en misiones autoconclusivas cargadas de acción, explosiones, persecuciones y enfrentamientos, fue un sello distintivo que la diferenciaba de otras producciones del momento.

Además de su éxito en Estados Unidos, la serie gozó de gran popularidad en otros países, incluyendo España, donde fue emitida con notable audiencia. Su combinación de aventuras dinámicas y toques de humor ligero atrajo tanto a jóvenes como a adultos, y sus personajes se volvieron referentes para toda una generación.

A pesar de haber finalizado en 1987, El equipo A mantiene un lugar especial en la memoria colectiva de los fanáticos de las series clásicas. Su legado se ha mantenido vivo a través de reposiciones televisivas, merchandising y, más recientemente, una adaptación cinematográfica estrenada en 2010.

Hoy, más de cuatro décadas después de su debut, la historia de estos cuatro fugitivos sigue siendo recordada como un símbolo del entretenimiento televisivo de los años 80. El equipo A no solo fue una serie de acción, sino también un homenaje a la lealtad, la amistad y la lucha por la justicia.

Hasta los huesos: Bones and All es un drama romántico y de tintes oscuros dirigido por Luca Guadagnino, que nos traslada a una versión inquietante de los Estados Unidos de la era Reagan. Estrenada en noviembre de 2022, la película propone un viaje emocional y físico marcado por el amor, la marginalidad y la lucha interna con impulsos que escapan al control de los protagonistas.

La trama sigue a Maren, una joven que vive al margen de la sociedad, forzada a sobrevivir como puede debido a una condición que la obliga a aislarse del mundo. En su camino se cruza con Lee, un joven errante con una fuerte personalidad, que también arrastra una vida de exclusión y soledad. Unidos por un pasado marcado por la oscuridad y la incomprensión, ambos deciden emprender juntos un viaje de más de mil millas a través de carreteras secundarias, rutas ocultas y zonas olvidadas del país.

Este recorrido no solo representa una huida física de sus circunstancias, sino también un intento desesperado por encontrar una conexión real en un mundo que les rechaza. A lo largo del camino, los dos jóvenes descubren no solo el amor, sino también el peso de sus propios fantasmas y las inevitables consecuencias de sus actos. Cada parada del viaje los enfrenta con su pasado, llevándolos poco a poco hacia un destino final que pone a prueba la posibilidad de redención y la capacidad del amor para sobrevivir incluso a los aspectos más oscuros de la condición humana.

Con una duración de 130 minutos, Hasta los huesos ofrece una mirada cruda y poética sobre la necesidad de pertenecer y ser aceptado. El estilo visual de Guadagnino, conocido por su sensibilidad estética, convierte esta historia en una experiencia sensorial que combina belleza, tensión y drama.

Rodada entre Italia y Estados Unidos, la cinta fue producida con un presupuesto de 16 millones de dólares, lo que se refleja en su cuidada producción y en la profundidad con la que se abordan los personajes. No se trata de una historia de amor convencional, sino de un relato intenso y desafiante que explora los límites del deseo, la identidad y la monstruosidad interna que cada uno lleva consigo.

Hasta los huesos no deja indiferente. Es una película que conmueve e incomoda a partes iguales, que invita a reflexionar sobre lo que significa amar cuando todo parece estar en contra. En definitiva, una obra compleja, visceral y emocionalmente potente que se inscribe dentro del cine más arriesgado y honesto de los últimos años.

Kim Seon-ho, nacido en Seúl, Corea del Sur, ha logrado consolidarse como uno de los actores más reconocidos y queridos del panorama televisivo y cinematográfico surcoreano. Con una trayectoria que abarca desde la comedia romántica hasta el thriller de acción, su evolución artística ha captado la atención tanto del público como de la crítica especializada.

Su debut en televisión se remonta a 2017 con la serie Jefe Kim, una producción de comedia dramática que marcó el inicio de su carrera en la pequeña pantalla. Ese mismo año participó en Strongest Deliveryman, un drama que le permitió explorar registros más serios. A partir de entonces, su presencia en producciones televisivas fue constante, y su popularidad fue creciendo de forma sostenida.

En 2018, Kim participó en varias series que consolidaron su perfil como actor polivalente. Entre ellas destacan You Drive Me Crazy (comedia), Bienvenido a Waikiki (drama y comedia) y Mi príncipe en 100 días, una comedia romántica de época que tuvo una excelente acogida entre los espectadores.

Un año más tarde, en 2019, asumió un papel en la serie Atrapa al Fantasma, un proyecto que combinaba comedia con elementos de crimen y misterio. En esta etapa, Kim comenzó a mostrar una mayor madurez interpretativa, lo que amplió sus oportunidades en el sector audiovisual.

El 2020 fue un año clave en su carrera gracias a Start-Up, una serie que mezclaba drama y comedia, ambientada en el competitivo mundo de las empresas emergentes. Su personaje en esta historia fue muy bien recibido y le permitió ampliar su base de seguidores, tanto en Corea como en el extranjero.

En 2021, Kim Seon-ho alcanzó uno de los puntos más altos de su carrera con la serie El amor es como el chachachá. Este drama romántico, cargado de ternura y humor, se convirtió en un auténtico fenómeno internacional y reafirmó su estatus como actor principal. Su interpretación natural y carismática fue elogiada por la crítica y lo posicionó como uno de los actores más solicitados del momento.

Ya en 2023, Kim dio un giro a su carrera con su participación en la película El bastardo, un thriller de acción y suspense de 118 minutos. Esta obra supuso un cambio significativo en su repertorio, al enfrentarse a un rol más oscuro e intenso. Su actuación demostró que es capaz de desenvolverse con soltura en géneros alejados de la comedia romántica que lo hizo famoso.

En 2024, el actor protagoniza The Tyrant, una serie de acción y drama que reafirma su interés por papeles más complejos y desafiantes. Esta producción promete consolidar su presencia en el cine de acción y ampliar aún más su trayectoria internacional.

Además de su trabajo en la ficción, Kim también formó parte del programa de telerrealidad 1 Night 2 Days, donde mostró una faceta más cercana y espontánea que encantó al público coreano.

Cabe mencionar que uno de sus proyectos más enigmáticos es la película Sad Tropical, una obra de acción y drama que todavía no tiene fecha confirmada de estreno pero que ha generado gran expectativa entre sus seguidores.

Kim Seon-ho ha demostrado ser mucho más que una cara bonita del entretenimiento surcoreano. Su versatilidad, carisma y compromiso con la actuación lo han convertido en una figura indispensable en el panorama cultural de su país. Con cada nuevo proyecto, el actor reafirma su capacidad de reinventarse y de conquistar a un público cada vez más global.

La llegada de una nueva familia a Fuente del Berro alterará la armonía de un vecindario donde Gloria vive con su bebé y Aitana, su au pair. Juntas, intentan dejar atrás un pasado oscuro y misterioso que amenaza con alcanzarlas. Sin embargo, en este barrio, nada es lo que parece. Cuatro vecinas, unidas por un vínculo en común —ser madres—, forjarán una amistad aparentemente inquebrantable. Todo parece ir bien, hasta que el pasado de Gloria irrumpe en sus vidas, desvelando secretos que pondrán a prueba su lealtad y su capacidad de proteger lo más sagrado que tienen: sus familias.

A lo largo de la trama, se exploran los desafíos de la maternidad, la solidaridad entre mujeres y la lucha por la supervivencia en un entorno donde las apariencias engañan. Las protagonistas no solo enfrentan los problemas cotidianos de la crianza y la convivencia en comunidad, sino que también se ven obligadas a tomar decisiones extremas para salvaguardar lo que más aman. El suspenso y la tensión crecen con cada episodio, revelando la verdadera naturaleza de sus personajes y la complejidad de sus relaciones.

La serie se destaca por su guion cuidadosamente elaborado, que combina drama, misterio y giros inesperados. A medida que la historia avanza, el espectador se sumerge en una red de engaños y revelaciones que mantienen el interés hasta el último episodio. La interpretación del elenco, liderado por actrices de gran talento, aporta profundidad a los personajes y realismo a la trama.

Otro de los aspectos más destacados de Sagrada familia es su cuidada ambientación, que recrea con precisión la atmósfera de un barrio madrileño aparentemente apacible, pero cargado de secretos y tensiones ocultas. La fotografía y la dirección artística refuerzan el tono inquietante de la serie, aumentando la sensación de claustrofobia y peligro inminente.

En definitiva, esta producción creada por Manolo Caro no solo narra una historia intrigante, sino que también plantea una reflexión sobre el poder de los lazos familiares y hasta dónde puede llegar una madre para proteger a sus hijos. La serie ha sido aclamada tanto por la crítica como por el público, consolidándose como una de las propuestas más impactantes del panorama televisivo reciente.

Datos de la serie

• Título original: Sagrada familia
• Estado: Finalizada el 17 de noviembre de 2023
• Año de estreno: 2022
• Creador: Manolo Caro
• Temporadas: 2
• Episodios: 16

A través de sus 16 episodios, Sagrada familia ofrece una historia llena de emoción, sorpresas y una trama absorbente que deja huella en el espectador. Una serie que demuestra que el verdadero peligro puede estar más cerca de lo que imaginamos.

Un documental de Rodrigo Lebrija explora la vida y la “compleja personalidad” del brujo de Apizaco.

Rodolfo Rodríguez “El Pana” fue un hombre que emergió de la pobreza y convirtió la teatralidad del toreo en su esencia vital. Nacido en 1952 en una familia humilde de Apizaco, Tlaxcala, México, su historia es retratada en el documental El brujo de Apizaco, dirigido por Rodrigo Lebrija.

Una vida marcada por la lucha y el destino

Antes de convertirse en torero, Rodríguez tuvo una juventud marcada por la supervivencia. Trabajó como panadero, vendió tamales y lavó coches para ganarse la vida. Según se narra en la película, fue un maestro panadero quien vio en él el potencial de un torero, sugiriéndole que el ruedo podría ofrecerle “vino, mujeres y gloria”. Este comentario marcó el inicio de una carrera llena de altibajos.

“El Pana venía de la nada. Era un sobreviviente, un verdadero ‘tigre de la calle’. Cuando le dijeron que el toreo ofrecía fama y fortuna a cambio de arriesgar la vida, pensó: ‘No tengo nada que perder’. Así encontró el sentido de su existencia”, explicó Lebrija en una entrevista durante una proyección en Guadalajara.

Contradicciones de un personaje polémico

El documental no solo celebra al torero, sino que también expone sus contradicciones. Desde ser vitoreado en las plazas más importantes de México, como su despedida en la Plaza de Toros México en 2007, hasta mostrarse como un hombre atrapado en su adicción al alcohol.

Imágenes del documental reflejan la soledad de El Pana en centros de rehabilitación, su caminar anónimo por las calles y su profunda fe en una fuerza superior. Aunque su vida estuvo marcada por excesos, su espiritualidad era una parte fundamental de su ser.

“Fue un espíritu fuerte, con una fe inquebrantable y una determinación única. No solo era un torero, sino un testimonio de superación”, comentó el director.

El arte de construir un personaje

Rodolfo Rodríguez entendió el toreo como un arte escénico. Su clavel en la solapa, su manera teatral de hablar y sus gestos irreverentes lo convirtieron en un personaje único en el ruedo. “El Pana sabía qué decir a la prensa y cómo actuar frente al público. Era un actor en el ruedo, un verdadero maestro de la teatralidad”, afirmó Lebrija.

A pesar de su talento, su falta de educación y la incapacidad de aprovechar oportunidades limitó su éxito. Llegó a torear en Madrid y estuvo cerca de cumplir su sueño de pisar Las Ventas, pero las adversidades personales lo llevaron a hundirse mientras su carrera ascendía.

Un legado para recordar

El brujo de Apizaco se estrenó en noviembre y ha tenido presentaciones limitadas en cines y espacios culturales de Guadalajara. Lebrija anunció que el documental llegará a salas comerciales en marzo y estará disponible en plataformas como iTunes y Amazon, acercando la historia de este icónico torero a una audiencia global.

Con este filme, se rescata el legado de un hombre que, a pesar de sus caídas, vivió intensamente, dejando una huella imborrable en el mundo del toreo.